os campana no museu vitra

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fotos: o museu, a exposição e o atelier em São Paulo


O Vitra Design Museum inaugurou uma exposição dos trabalhos dos Irmãos Campana, que ficará em cartaz até fevereiro de 2010. Segue entrevista publicada no jornal "O Estado de São Paulo", em 22/08/2009.

(...)A série Des-Confortáveis foi feita em 1989. Pode-se considerar que é a partir dela que os irmãos Campana tornaram-se designers legítimos?
Humberto: Com certeza.
Fernando: Foi uma tentativa de a gente se tornar escultor. Tínhamos tentado, de 1983 a 1989, fazer tudo com uma superfície perfeita, com mármore e alumínio, e tudo tinha um furinho ou um risco. Os clientes não aceitavam. Quando o Humberto fez aquela primeira cadeira com um espiral eu vi aí uma coisa mais libertária, de desencanar de ser reto...

Existe um quase clichê de que Humberto é a faceta mais sensível da dupla, enquanto Fernando é a mais racional. O que existe de contraparte nisso?
Humberto: O que é sensibilidade? Ele tem a sensibilidade dele. Quando um está fraquejando, o outro vem e socorre os projetos, tudo no trabalho. Eu também tenho meu lado racional, que é trabalhar com as mãos. Tem toda uma racionalidade, não é só intuição.
Fernando: Ele tem essa manualidade, um bordado, e eu consigo fazer isso numa escala maior. Às vezes, ajudo uma semente que está gestando na cabeça dele a ter funcionalidade.

Os criadores, por causa da sensibilidade, são tidos muitas vezes como loucos. O quanto vocês já se aproximaram, de fato, da loucura?
Fernando: Não o suficiente para chegar...
Humberto: Às vezes acho que lido com a loucura. Acho que um criador precisa de sombra. Acho que precisa ir até o inferno para...
Fernando: Mas não a um nível de precisar ser internado. (risos)

O trabalho de vocês é tido como urbano. Quanto de caipira há nele?
Fernando: É muito presente. No tempo da cestaria, a gente pegava as cestas no interior, balaio, e transformava em cestas country para vender no Mappin. E tem o olhar; as soluções caipiras são interessantes. Quem potencializava isso era a Lina Bo Bardi. Eu adorava ver quando ela mostrava no Masp alguma coisa de um designer anônimo.
Humberto: Acho que o nosso trabalho faz essa fusão entre o urbano e o rural, seja por meio dos materiais ou da forma como ele é manufaturado, muito artesanal, o que é muito ligado ao campo.

Como é trabalhar direto um com o outro? Não cansa?
Fernando: Quando a gente briga, fica no máximo um dia sem se falar. Por isso, acho que é bom, dá uma dinâmica. Esgota. Tem uma tempestade. Daí renova toda a água. A gente não tem muito filtro. Além de irmãos, temos cumplicidade, somos amigos. Isso solta a crítica tanto na criação quanto no comportamento.
Humberto: Às vezes sufoca.

Que outras influências destacariam?
Os dois juntos: Niemeyer!
Humberto: Eu nasci quando Brasília foi projetada. Aqueles edifícios no Planalto Central pareciam uns esqueletos de dinossauros. A quantidade de reportagens que saíam na época sobre Brasília... Era o sonho, o futuro. Contaminou muito. Burle Marx também.

A perseverança é um conselho básico que vocês dão a jovens designers no livro recém-lançado. Mas não é preciso ter sorte também?
Fernando: Acho que tem aquele dia certo, em que a medalha está lá. Quando a gente foi mostrar as fotos das Des-Confortáveis na Nucleon 8, na hora quiseram.
Humberto: E também ter encontrado com o Massimo Morozzi.

A transposição do uso de materiais seria o conceito mais adequado de designar seus trabalhos?
Humberto: É a materialidade. Nosso trabalho é muito focado no material.
Fernando: É a subversão... O material vem antes da forma e da função. Ele vai ditar qual a forma e depois vamos elaborar a função. Se a gente for começar um projeto com toda essa carga poética e a matemática da função, a gente fica parado no computador e não sai mais. Tudo tem que sair como poesia e depois tem de se transformar em função num produto.

A Favela ficou dez anos aqui até ser produzida pela Edra. Falta sensibilidade, investimento ou o que mais para a indústria brasileira?
Fernando: Acho que é ousadia. O timing certo do produto. Produto não é moda, que você coloca na vitrine e já...
Humberto: Sabe o que eu acho? A indústria é muito voltada para o consumidor, e o consumidor não é educado para entender o design contemporâneo. Na Europa já tem uma maior compreensão.

Vocês poderiam ter virado totens. Tentam driblar as armadilhas do ego como?
Fernando: Trabalhando. Voltando para o Brasil e ficando aqui no centro. Aí é que está a importância do peso caipira.
Humberto: É a essência mesmo. Acho que, quando o sucesso sobe, você perde o contato com o seu deus interior, com o divino. Para mim é muito mais importante.

Leia a reportagem na íntegra no Estadão: http://www.estadao.com.br/suplementos/not_sup422524,0.htm
O jornal "O Globo" também publica reportagem nesse domingo:
http://oglobo.globo.com/economia/morarbem/mat/2009/08/23/mostra-de-brasileiros-icones-do-design-internacional-nao-tem-patrocinador-no-pais-767282271.asp
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tempos modernos

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O Pavilhão da Estatística, projetado para a exposição comemorativa do centenário da independência do Brasil, em 1922, pelo professor da Escola Nacional de Belas Artes Dr. Gastão da Cunha Bahiana (1879-1959), primeiro presidente do IAB.


Saindo das aulas de sábado, Monsieur De Tugny faz hora extra, falando sobre uma estratégia de Niemeyer no Cassino/ MAM da Pampulha, semelhante a algumas utilizadas por Bernini. Trata-se de um artifício no qual uma parte do edifício tem os seus elementos reduzidos de tamanho, de modo a aparentarem estar mais distantes do observador, corrigindo visualmente uma composição: uma escala ilusória. No caso do MAM, o objeto em questão é uma edícula. O problema é que colocaram uma câmera de segurança sobre ela, restituindo-lhe a escala real. Daí a indignação de Augustin contra os responsáveis pelo projeto de segurança.
Sim, considerando que o museu é dirigido por um motorista de ônibus em desvio de função, a culpa deve ser mesmo de algum sargento. Entretanto, implicante que sou, encontrei outro responsável: o IEPHA. Ora, ele não é o “guardião do nosso patrimônio”? O título não é uma ironia, mas está lá no seu estatuto. Ou será que o IPHAN é que é o guardião, e o IEPHA é apenas o sub-guardião? De qualquer modo, o espaço é freqüentado pelos funcionários de ambos, nas vernissages.

Bom, mas me lembrei dessa ignorância que resulta em desrespeito porque queria falar de outro patrimônio que é apenas dos arquitetos, o IAB.
Recebi convite para uma “palestra gratuita”, promovida pela entidade:“Casa Saudável: cuidar do habitat é cuidar da própria saúde”. Na verdade é a isca para um curso de 840,00 reais.
O palestrante é o "geobiólogo" preferido na Coréia do Norte, o famoso Allan Lopes. Pensei com meus florais: o IAB é mesmo obstinado... porque insistir assim nessa fraude? Está certo que tem gente lutando com unhas e tentáculos pelo Sarney, mas mesmo assim, promover um charlatão não ia passar despercebido. Não por gente tão zelosa com o prestígio da sua profissão, como são os arquitetos.
Como o IAB chegou a esse ponto? Fui dar uma olhada na história do Instituto, e nada melhor para isso do que pesquisar no seu site.
Uma vez lá, um documento me interessou imediatamente: “Manifesto de Gregori Warchaviski”. Quem teria sido esse Warchaviski? Já ouvi falar em Lulovski, Berzoniev e Mercadantionov, mas Warchaviski???
Tivemos um Warchavchik, mas agora só temos Allan Lopes.

O IAB surgiu nos anos 20 e sua longa história, resumida no seu site, poderia ser ainda mais resumida assim, usando as palavras do próprio Instituto:
(...) a histórica reunião de 26 de janeiro de 1921.
(...) se em 1931 o Instituto se posicionava claramente a favor da arquitetura contemporânea, em 1944 o IAB manifestava-se abertamente pelo fim da ditadura Vargas, pela anistia geral, pela libertação dos presos políticos e pela convocação de uma Assembléia Constituinte.
(...)o corolário de todo seu trabalho ocorreu em fins de 1976, no IX Congresso Brasileiro de Arquitetos, em São Paulo, quando uma massa de cerca de seis mil arquitetos e estudantes surpreendeu à todos, numa explosão contra a ditadura, os atos de exceção, como que reeditando o movimento de 1943, com outras dimensões.

Ao que tudo indica, em 1944 o Instituto trocou a arquitetura pela política, em 1976 teve sua apoteose e hoje nem se anima a atualizar o site. Está lá: IAB HOJE (nota do editor: o texto é de 1988)... Eu é que não vou ler.

Em 76 eu estava em São Paulo, como estudante. Aliás, a presença dos estudantes foi objeto de muitas contestações. Pode, não pode... hoje engrossamos as estatísticas. É bem verdade que estávamos lá por motivos diferentes dos arquitetos: estávamos pelo encontro, pelo inusitado de reunir aquele grupo de pessoas tão bacanas como eram os arquitetos. Os ditos, estavam lá para protestar, diz a história. Entretanto, o que eu lembro é do Ernest Neufert sendo aplaudido de pé por mais de cinco minutos, por 4000 pessoas. E das noites varadas, lendo e ouvindo Fernando Pessoa declamado pelos amigos, em frente ao Pacaembu, onde estávamos alojados.
“Valeu a pena? Tudo vale a pena
Se a alma não é pequena.” Disse o poeta.

Depois disso, nada mais de importante aconteceu. O IAB seguiu seu caminho político, muitos construíram o seu caminho de políticos no IAB, e o Manifesto de Warchavchik foi trocado por um manual de Feng-shui.

Se mesmo com esse anfitrião tão destituído, você vai à palestra do Allan, lembre-se de levar um quilo de alimento.
Sugiro capim.

Um outro lado dos concursos

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No seu blog (http://www.parededemeia.blogspot.com/) o arquiteto e professor Fernando Lara faz uma observação sagaz sobre o concurso do MIS. É a seguinte:

“ (...)alguém reparou na luz dos projetos finalistas? não? então volta lá e olha.
o terreno do MIS fica numa parte de Copacabana orientada diretamente pra sul. Na latitude do Rio isso significa que o sol nunca bate diretamente na fachada principal a não ser próximo do meio-dia uns poucos dias no final de dezembro (solstício de verão). reparando nos projetos finalistas, todos mostram a fachada sombreada, o que corresponde a realidade mas não ajuda nem um pouco a vender a idéia, exceto o projeto vencedor de Diller, Scofidio e Renfro.
fica difícil saber até que ponto essa esperteza influenciou o resultado mas isso sustenta horas de conversa, não acham?”

Um aspecto muito estudado nos concursos é a estratégia de apresentação. Desde a montagem das pranchas até o ângulo das perspectivas, tudo é pensado em termos de sedução e de informação. Um ante-projeto serve para demonstrar soluções, mas serve também para convencer clientes e jurados a comprar a idéia. Num concurso, apresentações confusas como a da Zaha Hadid no The Peak, em Hong Kong, que ilustra esse post, podem resultar em desclassificação. Sua sorte foi que Arata Isosaki, membro do júri, resolveu dar uma olhada nos projetos que tinham sucumbido à primeira peneirada e resgatou o dela. Hadid acabou vencendo o concurso. Em que medida os seus desenhos são informação ou sedução?

Essa questão remete ao texto de Erwin Panofsky, A Perspectiva como Forma Simbólica, de 1925. O título já diz muito e o texto explora a tese de que a perspectiva é uma representação ligada à noção de espaço de cada época. Portanto, não faz sentido esperar que tal representação seja isenta, mas esperamos que o júri seja suficientemente experiente, para não se deixar levar pelas aparências e pelas primeiras impressões.

No caso do MIS, parece que as equipes fizeram uma fotomontagem sobre um material comum, possivelmente fornecido pela organização do concurso. Me refiro à vista geral, num ângulo que ninguém vai ver (exceto as gaivotas) e que faz parte das apresentações dos projetos.
Na proposta de Wenfeld, a foto parece ter recebido um filtro âmbar, amarelado, tornando-a mais quente. Renfro aumenta o brilho da fachada sul e elimina o sol que incidia na fachada leste, provavelmente pelo horário no qual a foto foi tirada. Certamente na maior parte do dia a fachada leste tb estará em sombra.
Nas propostas da Brasil e de Tacoa, uma luz providencial aparece na lateral direita e que solta o edifício dos vizinhos: uma luz inexistente nos outros cinco projetos.
Os projetos de Ban, Libeskind e de Jacobsen estão na sombra e nada fazem diante dessa realidade.

Mais uma vez deve-se reconhecer a competência da equipe novaiorquina: o volume facetado que propõe, mesmo estando voltado para o sul, com certeza vai apresentar nuances de luminosidade. Ao contrário de serem suspeitos de esperteza, acho que eles deveriam ser saudados como bons observadores de alguns preceitos corbusianos, em particular ao que diz ser a arquitetura “o jogo sábio e magnífico dos volumes sob a luz”. Ou será sob o sol?



































Uma boa apreciação do livro de Panofsky, feita por Jorge Lucio de Campos, está em
http://sincronia.cucsh.udg.mx/Panofsky.htm

Os desenhos acima são de Zaha Hadid, para o concurso The Peak, de 1982. Alguns fazem parte do acervo do MOMA/NYC

um concurso importante, num momento importante

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a praia de Copacabana, no lado superior da foto


Esta semana foi divulgado o resultado do concurso para a sede do Museu da Imagem e do Som, no Rio de Janeiro. O sítio não poderia ser mais adequado e importante: a praia de Copacabana.
Concursos de arquitetura ... tem gente que fica viciada neles, como num jogo qualquer, o que comprova o lado apaixonante da questão. Penso que concursos para projetos públicos, pagos com o dinheiro público, deveriam ser abertos, mas até nisso podem haver exceções e a escolha do projeto para a sede do Museu da Imagem e do Som é uma exceção compreensível. Trata-se de um sitio emblemático e a pré-definição dos participantes dificulta a escolha de um projeto que caduque em poucos anos, coisa que acontece com freqüência.
Alguns dos grandes problemas que os concursos de arquitetura enfrentam, são a isenção e competência do júri. Mesmo arquitetos corajosos e independentes guardam para as mesas de bar, o seu testemunho sobre tentativas de favorecimento de concorrentes, que não são poucas. Na campanha pela democratização das oportunidades, portanto, talvez pudéssemos começar pelo aprimoramento das comissões julgadoras, o que elevaria, com certeza o nível das apreciações dos projetos, que são geralmente indigentes.

No caso do MIS, foram convidadas sete equipes de arquitetos, eleitas pelos critérios obscuros que sempre vão caracterizar os concursos fechados. A falta de regras, entretanto, não precisa necessariamente implicar num amontoado inadequado de competidores.
Dentre os brasileiros, considero justificáveis as escolhas de Isay Wenfeld, da Brasil Arquitetura e da dupla Bernardes & Jacobsen, cuja produção, mesmo que comparável a muitas outras no país, os qualifica. Uma maior pluralidade poderia ter sido mais proveitosa, mas os nomes escolhidos são aqueles constantemente incensados pelas duas revistas de arquitetura do país, com o apoio da comunidade de arquitetos que assiste à transformação de obras banais em ícones e à elevação de arquitetos medíocres à categoria dos “populares”, sem se dar conta dos interesses até mesmo econômicos, por trás dessas publicações e dos danos das suas frequentes arbitrariedades à nossa cultura arquitetônica.
Incluo nesse caso os arquitetos que são prematuramente elevados ao estrelato, como o Tacoa Arquitetos, autores do projeto da Galeria Adriana Varejão, no Inhotin, onde já haviam revelado a sua inexperiência, agravada pela superficialidade da concepção, ambas confirmadas agora na sua proposta para o MIS.
Também foram convidados três estrangeiros: o previsível Daniel Libeskind, que passou os últimos meses fazendo lobby no Brasil, com o apoio da imprensa, Shigeru Ban, cuja escolha surpreende, pois seu trabalho tem ênfase na pesquisa de tecnologias alternativas, opção pouco recomendada para um país pouco afeito à manutenção de edifícios, e o grupo Diller, Scofidio e Renfro.

As informações sobre o concurso, tais como programa e verbas, são escassas, nos restando a análise exterior e superficial das propostas, o que prejudica o seu uso como instrumento de aprendizado. Mesmo assim, pensando em tirar algumas lições do exercício projetual empreendido pelos arquitetos convidados, e ainda que restrito à questão plástica e às relações com o contexto, analisei as propostas, a partir da divisão dos trabalhos em três grupos.
O primeiro é integrado pelos projetos de Daniel Libeskind (1)e de Bernardes/Jacobsen (2), projetos que possuem em comum a partição vertical do volume construído, aproximando-se assim, do ritmo do conjunto edificado de Copacabana, composto por edifícios com essa tendência. Ambos se diferenciam do contexto explorando a geometria, por meio de ângulos inusitados (Libeskind) ou girando os volumes ortogonais, promovendo um ruído agradável na paisagem (Bernardes/Jacobsen).
Tal estratégia leva ambas as propostas a uma composição aditiva, ou seja, a um resultado final no qual edifício é composto por volumes distintos. Além disto, ambos optaram pela ampliação da esquina, expandindo os benefícios espaciais da intervenção, para dentro do bairro.




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O segundo grupo é integrado por Shigeru Ban (3), Brasil Arquitetura(4) e Tacoa (5), e é constituído por volumes únicos. Essa tentaiva de resolver de uma só cajadada, as complexas questões das relações urbanas é sempre arriscada pois, ao enfatizar a relação figura/fundo, o arquiteto se vê na obrigação de dar uma resposta plasticamente forte e original, ainda que polêmica, o que nenhum dos três conseguiu. Quem chega mais perto disto, embora com o edifício mais feio, é Shigeru Ban, que elabora uma volumetria distinta do entorno, fazendo do objeto um corpo independente, Entretanto, Ban parece ter confundido o Brasil com a Índia, perdendo, no tratamento dado à forma, a oportunidade consolidar as suas grandes possibilidades expressivas.
A proposta do Tacoa, uma caixa regular e fora de prumo, possui traços surrealistas e infantis, mas seja pela lembrança de Magritte ou do Superman levantando pesos, coloca-se na retaguarda da vanguarda do século XX.
O terceiro componente desse grupo é o Brasil Arquitetura, com a proposta mais insensível ao sítio, dentre todas as sete. O volume proposto apresenta uma grande abertura de forma livre e perigosa, pois a mim pelo menos, se parece com a silhueta do Dom Pixote com um turbante de Carmem Miranda: sempre enxergaremos um nariz no mapa de Minas Gerais. Por outro lado, a esfera que liga e separa o Museu do seu vizinho, remonta diretamente à Rede Globo, entidade indissociável da cidade do Rio de Janeiro, o que pode gerar alguma confusão sobre o uso do edifício. Caso a esfera polida não tenha sido criada pelo escultor Anish Kapoor, aí então seu uso seria ainda mais questionável.



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No terceiro grupo estão os dois projetos de que mais gostei: o de Isay Wenfeld (6) e o de Diller, Scofidio e Renfro (7). Ambos exploram formas baseadas na superposição de elementos horizontais, gerando linhas de força que ampliam a sua presença na paisagem.
A proposta de Wenfeld trabalha quatro caixas muito bem definidas, com tratamentos diferenciados e que parecem partir mais da intenção plástica do que das relações com o entorno. Mas uma fachada é também isto: como explicar aqueles volumes cegos ou semi-fechados por brises e cobogós, voltados para uma das paisagens mais belas do mundo? Do ponto de vista do pedestre, figura elevada à categoria de mito pela existência do Calçadão de Copacabana, a proposta é fria: embora muito bonita pelas relações entre os volumes, com balanços impressionantes e contrastes eficazes, o edifício resulta excessivamente monumental.



















É nesse aspecto que o projeto vencedor, de Diller, Scofidio e Renfro, apresenta qualidades extraordinárias. A solução das rampas de circulação no exterior, dá idéia de continuidade com o calçadão, insinuando que quem está na rua pode subir naturalmente ao museu. As diagonais resultantes conferem movimento e distinguem o edifício dos seus vizinhos sempre cheios de horizontais e verticais e vão fazer dele um espetáculo na paisagem. Talvez por isso mesmo, pela leveza com que explora o destino de beleza de toda arquitetura, poderá ser alvo de críticas dessa corporação tão apegada ao seu passado modernista, como é a dos arquitetos brasileiros.
Voltando às diferenças entre concursos abertos ou fechados, só por esse arejamento das consciências, o concurso do MIS já terá valido à pena.

chinatown

Pra ajudar na introspecção...
http://www.youtube.com/watch?v=hM-7o9zwJ_M

pensar fazer pensar

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Martin Puryear é um escultor americano, nascido em 1941, o que o coloca, temporalmente falando, no centro do abstracionismo. Seu caminho, entretanto, é diferente do modernismo que dominou a cena na maior parte do século XX.

A aproximação do seu trabalho com a arquitetura se dá pela resolução estrutural, que é ao mesmo tempo causa e efeito dos objetos que ele cria: a técnica viabiliza e é protagonista da forma. Filosoficamente, Puryear dá ênfase à execução, ao fazer, e não pretende que a arte seja apenas um manifesto. Traduzido para o universo da arquitetura, isso coloca em questão idéias correntes em importantes círculos acadêmicos, que vêem a arquitetura como a consolidação linear de uma idéia, ou conceito.

Texto de abertura da exposição no MOMA/NY:
"Eu valorizo a qualidade referencial da arte, o fato de que uma obra possa aludir a coisas ou modos de ser sem representá-los. As idéias que dão sustentação a uma obra podem ser um tanto difusas, então eu descreveria o meu processo de trabalho como um tipo de destilação _ tentativa de trazer coerência a coisas que podem ser contraditórias. Mas coerência não é o mesmo que resolução. A arte mais interessante para mim, retém uma qualidade tremeluzente, na qual idéias opostas podem ser mantidas numa coexistência tensa."
Martin Puryear, 2007http://www.moma.org/interactives/exhibitions/2007/martinpuryear/

Trecho da entrevista à ART:21
ART:21: Your work is often talked about as coming out of the history of abstraction. Can you talk about your connection to that history?

"Penso que o modo como trabalho é provavelmente fora dos passos que muitos artistas estão dando em 2003, que é contar histórias ou transportar tipos específicos de informação, seja ela sociológica, psicológica ou sexual. Um trabalho que é realmente um veículo para transportar determinados tipos de informação. Eu venho de uma geração na qual o trabalho era, ele mesmo, a informação e então permanece essa crença de que o trabalho em si mesmo deve ter uma identidade que possa esperançosamente falar. Seja por meio da beleza ou por meio da feiura, ou de qualquer qualidade que você coloque nele. É sobre isto que a obra é.
A obra não precisa ser um veículo transparente para que se diga coisas sobre a vida de hoje, ou sobre as coisas que as pessoas estão fazendo uma às outras ou coisas assim. Não que elas nunca estejam nela, porque uma obra pode conter muitas coisas, mas o meu veículo é tipicamente fazer obras que sejam sobre a realização dela mesma e que entram na sua feitura como objeto. E há uma história na feitura dos objetos. Existe uma narrativa na fabricação das coisas que, para mim, é fascinante.. Não tão fascinante, talvez, quanto a forma final ou o próprio objeto final, mas penso que trabalhando cumulativamente há uma construção na história, no fazer as coisas, na qual eu posso estar interessado."

oportunidades urbanas

Os irmãos Otavio e Gustavo Pandolfo, que autodenominam Os Gêmeos, acabam de executar o seu primeiro grafiti em Nova York, que permanecerá na esquina das ruas Houston e Bowery, até março.
As oportunidades de intervenções que as cidades oferecem, vão da arte à arquitetura, passando pelo extenso campo comum a ambas. Os problemas de autenticidade nos dois campos são semelhantes: todos os que constroem se julgam arquitetos, qualquer coisa aplicada a um muro urbano é chamada de grafiti e tudo que é exposto num museu ou numa galeria é chamado de arte.

A critica Roberta Smith falou assim sobre o trabalho dos paulistas, no New York Times:
" (Eles) levaram a arte do graffiti à sua fase rococó. O que quer dizer que o seu mural fantástico e épico, executado num muro de concreto com 5,20 x 15,50 , é leve e frívolo, um sonho de felicidade sublinhado com um tom de melancolia. E tudo nele é exoticamente bem sintonizado e detalhado, um deslumbramento de técnica fácil, que sustenta longos surtos de olhares próximos."

Incluir o lúdico no cotidiano é uma tarefa de inestimável valor.










































a reportagem e as imagens são do New York Times

charles gwathmey

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"O desenho é um processo de descobrimento"
Charles Gwathmey 1938/2009






















Faleceu no último dia 3 de agosto, o arquiteto Charles Gwathmey. Dentre muitas outras coisas, Gwathmey fez parte de uma exposição realizada em 1967 no MOMA de Nova York, enfocando o trabalho de cinco arquitetos cuja linguagem tinha referencia na obra de Le Corbusier. Dela resultou o livro de 1972, "The New York Five", muito influente naquele momento de ascenção do pós-modernismo. Os outros quatro arquitetos do grupo eram; Peter Eisenman, Michael Graves, John Hejduk e Richard Meier.

juro que vi

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Furnas, 8 jan 2007: no instante em que o céu ficou escuro, uma nuvem refletiu um último e improvável raio de sol.